Bringen Sie für dieses experimentelle Festival Ihren Badeanzug und Tanzschuhe mit

Jul 05, 2023

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Notizbuch des Kritikers

Das Borealis-Festival für experimentelle Musik in Norwegen ist zu einem Ort für lebhafte Erkundungen in einem bekanntermaßen selbstbewussten Bereich geworden.

Von Jennifer Gersten

Fotografien von David B. Torch

BERGEN, Norwegen – Über eine Uraufführung der jungen experimentellen norwegisch-tamilischen Komponistin Mira Thiruchelvam war wenig vorhersehbar. Aber es fand an einem beheizten Pool mit Blick auf den Fjord statt, also hatte der Moderator einen Vorschlag: Bringen Sie Badesachen mit.

Das war selbstverständlich bei Borealis, dem experimentellen Festival hier, das sich als Startrampe für vielseitige Projekte von Musikern aus Norwegen und darüber hinaus einen Namen gemacht hat. Während sich die nordischen Länder in den letzten Jahrzehnten – begünstigt durch die beneidenswerte staatliche Förderung der Künste – als Hochburg musikalischer Aktivitäten erwiesen und sich in der klassischen Welt hervorgetan haben, ist Borealis zum warmherzigen Randfestival der Region geworden, das eine blühende experimentelle klassische Szene präsentiert .

Unter der Leitung von Peter Meanwell (künstlerischer Leiter) und Rachel Louis (Geschäftsführerin) hat Borealis, das sein 20-jähriges Jubiläum in einem fünftägigen Festival feierte, das am Samstag endete, einen seltenen Raum für lebhafte Erkundungen in einem notorisch selbsternsthaften Bereich geschaffen. Es ist das Festival, vor dem es „nichts zu befürchten gibt“, wie es die Lokalzeitung „Bergens Tidende“ unter der Woche in einer Schlagzeile nannte, bis hin zu den „Eksperimentell“-Röhrensocken.

Ein Teil dessen, was Borealis seine zugängliche Atmosphäre verleiht, ist die Nutzung der dicht gruppierten Kulturzentren Bergens, die durch kurze und oft nasse Kopfsteinpflastergassen getrennt sind – eine Selbstverständlichkeit in der regenreichsten Stadt Europas. Am Eröffnungsabend veranstaltete die United Sardine Factory, eine umfunktionierte Konservenfabrik, anlässlich des Jubiläums kurze Auftragsarbeiten von Komponisten aus der gesamten Geschichte des Festivals. Anschließend konnten die Zuhörer in einen königlichen Bankettsaal aus dem 13. Jahrhundert schlendern, dessen mittelalterliche Pracht die Kulisse für das indonesische Ensemble Gamelan Salukat bildete, das Werke der experimentellen Komponistin Dewa Alit aufführte.

Seinen gemütlichsten Platz fand Borealis in einer kleinen Holzkonstruktion auf dem Berg Floyen, erbaut im Stil der Sami, dem indigenen Volk der Sapmi-Region (die Teile Norwegens, Schwedens, Finnlands und Russlands umfasst). Das über eine kurze Seilbahnfahrt und eine kurvenreiche Wanderung erreichbare Bauwerk beherbergte eine Klanginstallation der Borealis-Artist-in-Residence, der norwegisch-samischen Elina Waage Mikalsen – der dröhnende Bass des Werks schien mit den brodelnden Flammen im Holz des Gebäudes Schritt zu halten -brennender Ofen. Da die norwegische Regierung kürzlich die anhaltenden Menschenrechtsverletzungen auf samischem Land einräumte, fühlte sich Mikalsens Auseinandersetzung mit dem samischen Experimentalismus – das Thema ihres Vortrags später in der Woche, bei dem die samischen Musiker Viktor Bomstad und Katarina Barruk auftraten – besonders wirkungsvoll an.

Auf dem diesjährigen Festival gab es auch eine Reihe von Arbeiten, die sich mit der Natur von Instrumenten auseinandersetzten, ihre Materialien ausloteten und ihre Grenzen erweiterten. Das ruhig intensive norwegische Geigen- und Kontrabass-Duo Vilde&Inga präsentierte in Zusammenarbeit mit dem Komponisten Jo David Meyer Lysne „NiTi“, einen Dialog zwischen dem Duo und Lysnes kinetischen Metall- und Holzskulpturen, die sich während der gesamten Aufführung lautlos hin und her bewegten – eine poetische Destillation von die Aktion, ein Saiteninstrument zu spielen.

Zuerst erzeugten die Musiker mit ihren eigenen Instrumenten subtile, flackernde Texturen, dann integrierten sie nach und nach die Geräte neben ihnen, darunter eine Geige, die an einem Gerät befestigt war, das ihre Saiten kitzelte. Ähnlich wie Vilde&Ingas vom Wald inspirierte Zusammenarbeit mit dem Komponisten Lo Kristenson ein paar Tage später fühlte sich das Werk jedoch nicht schlüssig an, weniger wie ein fertiges Produkt, sondern eher wie ein fantastischer Impuls, dem die Kollaborateure gut täten, weiterzuverfolgen.

Erfolgreicher in dieser Hinsicht war „INTERVALL“, kreiert und aufgeführt vom norwegischen Percussion-Trio Pinquins mit der Künstlerin Kjersti Alm Eriksen. Rund um einen hohlen Holzwürfel, an dessen Decke Instrumente sowie Industrie- und Haushaltsgeräte an Seilen hingen, begannen die vier Darsteller eine Art verrückte Schnitzeljagd, bei der sie Gegenstände durch den Rahmen schleuderten, gereizt in am Würfel befestigte Plastikrohre bliesen und sogar lange griffen Stangen, um auf das Theater selbst zu schlagen, um das Klangpotenzial des Schauplatzes unerschöpflich zu erkunden.

Eine ähnliche Verspieltheit durchdrang die fantasievollen „Plans for Future Operas“ des norwegischen Komponisten Oyvind Torvund, aufgeführt von der Sopranistin Juliet Fraser und dem Pianisten Mark Knoop. Als Teil einer fortlaufenden Serie, in der Ensembles die Klänge hypothetischer Aufführungssituationen aufführen, wird „Plans“ von einer Diashow mit Torvunds gekritzelten Kritzeleien begleitet. Als verschiedene Visionen auf der Leinwand aufblitzten – eine „Autohupen“-Oper, bei der Fraser hupte; eine „telepathische Oper“, während der sie schwieg und schien, während Knoop spielte, Lieder allein in Gedanken zu kommunizieren – das Duo vermittelte mit Begeisterung und offensichtlicher Belustigung Torvunds freizügige Musiksprache.

Während des gesamten Festivals war die Betreuung von Teilnehmern jeden Alters und jeder Herkunft hervorzuheben. Eine Aufführung des Torvund außerhalb des Konzertsaals richtete sich an Zuschauer mit Barrierefreiheit. In Workshops erstellten Kinder Miniaturversionen des „INTERVALL“-Würfels aus Karotten, Perlen und Draht und nahmen Schreie auf, um sie auf Tonbandschleifen abzuspielen. An einem Abend präsentierten vier begeisterte Teilnehmer des Young Composer-Programms von Borealis, deren Bewerber nicht jung oder als Komponisten ausgebildet sein müssen, herzliche Premieren.

Das Publikum außerhalb der Geschäftszeiten fand herrlich ohrenbetäubende Sets der White Mountain Apache-Geigerin Laura Ortman und des Elektronik- und Gesangsduos Ziur und Elvin Brandhi vor; Im Laufe des Abends begann eine Gruppe junger Leute einen spontanen Auftritt auf der Tanzfläche. Am nächsten Morgen erlebten die Badegäste am und im beheizten Pool Thiruchelvams ausgelassenes Auftragswerk „External Factor“, das mit der Tänzerin Thanusha Chandrasselan aufgeführt wurde – Teil einer Serie, die von der Sonntagstradition des Fjordschwimmens im Borealis-Büro inspiriert war. Die Zuhörer tanzten zu Thiruchelvams dröhnender Elektronik, unterbrochen von ihren Improvisationen auf Carnatic-Flöte und E-Gitarre und jubelten Chandrasselans ruckartiger Choreographie zu, wobei ihre Stiefel beeindruckende Reibung auf dem nassen Beckenrand schafften.

Eines der ältesten Werke des Festivals gehörte zu den zukunftsweisendsten: „GLIA“ (2005) der bahnbrechenden amerikanischen Experimentalkomponistin Maryanne Amacher, dessen Titel sich auf die Zellen des Nervensystems bezieht, die die Kommunikation über Synapsen unterstützen, aufgeführt vom ehemaligen Komponisten Bill Dietz Amacher-Mitarbeiter und Ensemble Contrechamps. Wie Dietz in einer Diskussion vor dem Konzert erklärte, hätte Amacher die posthume Aufführung des Stücks wahrscheinlich nicht gebilligt, da sie ihre Werke nicht als feste Klänge betrachtete, sondern vielmehr als integralen Bestandteil der Umstände, unter denen sie ursprünglich entstanden waren. Dennoch „konnte ich nicht umhin, dankbar zu sein, um die beleuchtete Spielerpyramide im Black-Box-Theater herumzuwandern und die voluminösen Klangschichten durch meine Ohren strömen zu lassen.“

Der Abschlussabend begann vielversprechend mit dem rätselhaften „IONOS“ der norwegischen Klangkünstlerin Maia Urstad – einem stimmungsvollen Dialog zwischen drei Funkamateuren, der irgendwann irgendwo da draußen in Kontakt mit einem anderen Benutzer mündete. Borealis ist ein Ort, an dem Künstler Risiken eingehen können, auch wenn die Dinge gelegentlich hinter ihren Erwartungen zurückbleiben – wie im letzten Stück, „Counting Backward“ des britischen Komponisten (und ehemaligen Borealis-Regisseurs) Alwynne Pritchard Bergener Kammerensemble BIT20 unter der Leitung von Jack Sheen. „Counting Backward“ war eine aufgeblähte Collage aus vorhersehbarem Ambient-Ensemble-Schreiben und kitschigen, vorher aufgezeichneten Beobachtungen zu Zeit und Natur, die von im Publikum verteilten Freiwilligen wiederholt wurden. Während BIT20 spielte, banden vier Darsteller in der Mitte des Theaters einen Knoten aus dicken Seilen, damit sie immer wieder einen Baumstumpf vom Boden hochheben konnten, eine Handlung, die unterstrich, wie sehr die Fäden des Werks selbst voneinander getrennt waren.

Die Gedanken wanderten zu dem, was ein zufriedenstellenderer Abschluss der Woche gewesen wäre: die Show der Pinquins zwei Abende zuvor im selben Raum. Auf dem Höhepunkt dieser Arbeit rissen die Darsteller den Baldachin des Holzwürfels auf und ließen einen Vorrat an Sonnenblumenkernen auf den Boden fallen. Der Nieselregen der Samen ging weiter und weiter – eine hypnotische, scheinbar endlose Beschwörung dessen, was ein Festival wie Borealis möglich machen kann.

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