Metal Underground: 10 Bands halten die Szene am Leben

Jun 27, 2023

Die Bands florieren im Metal-Underground und sprengen die Grenzen der Heavy-Musik

Während wir alle die Metallicas und Iron Maidens dieser wunderbaren Sache, die wir Heavy Metal nennen, lieben, dürfen wir die Bedeutung des Metal-Undergrounds nicht vergessen. Sicher, in den Arenen der Welt wird es immer von der neuesten Metal-Band wimmeln, die für den großen Durchbruch sorgt, aber in den Spelunken und abgedunkelten Räumen gibt es Heavy-Musik in all ihren Formen auf Basisniveau.

Auf keinen Fall Mainstream und mit absolut keinem Wunsch, es zu sein, schauen wir uns hier die Bands an, die die Underground-Metal-Szene am Leben halten und voller Kreativität sind, von der andere Genres nur träumen können.

Es kommt selten vor, dass eine Band genau das liefert, was man erwartet, und Sie dabei trotzdem umhaut. Meistens ist es der Klang des Exotischen und Unbekannten, der Ihre Sinne unbewusst erfasst, den Geist fesselt und die Fantasie anregt. Khôrada wurde von ehemaligen Mitgliedern von Agalloch und Giant Squid gegründet und hat alle Erwartungen übertroffen und etwas einzigartig Schweres, Rohes und zutiefst Emotionales hervorgebracht.

Im Jahr 2016 löste Agalloch-Gründer John Haughm die Band auf und gründete schließlich Pillorian. Für die verbleibenden drei Mitglieder – Gitarrist Don Anderson, Bassist Jason Walton und Schlagzeuger Aesop Dekker – war eine Trennung keine Option. Jason erklärt: „Don, Aesop und ich sahen keinen Grund, nach der Trennung von Agalloch mit dem gemeinsamen Spielen aufzuhören. Wir waren enge Freunde, hatten jahrelang zusammen gespielt und sehr gut zusammengearbeitet. Ich denke, wir haben alle schmerzlich deutlich gemacht, dass die Auflösung von Agalloch nicht unser Wunsch war, also haben wir am selben Tag, an dem sich die Band auflöste, beschlossen, etwas Frisches und Neues zu gründen.“

Dort weiterzumachen, wo Agalloch aufgehört hat, wäre der einfache Weg gewesen, aber die Jungs waren sich einig, etwas so Offensichtliches zu vermeiden, ganz gleich, wie es bei den Fans ankommen würde. „Für uns drei wäre es sehr einfach gewesen, einen anderen Mann zu finden, der Gitarre spielt und Growls spielt“, sagt Jason, „und eine weitere Extreme-Metal-Platte zu machen. Wir hätten versuchen können, mühelos in die Leere zu gleiten, die der Tod von Agalloch geschaffen hat. Ich meine, wir hatten bereits eine feste Fangemeinde. Warum sollten wir nicht einfach den gleichen Weg weitergehen, den Agalloch 20 Jahre lang eingeschlagen hat, aber mit jemand Neuem? Die Antwort ist, weil das faul ist und letztlich keine Kunst.“

Als neuen Frontmann wählten sie ihren Freund und ehemaligen Labelkollegen Aaron John „AJ“ Gregory. „Wir alle hatten großen Respekt und Bewunderung für AJ und es schien für uns eine logische Entscheidung zu sein“, sagt Jason. „AJ ist ein großartiger Gitarrist, großartiger Texter und ein wunderbarer Songwriter. Am wichtigsten ist, dass er ein Mann ist, den ich respektiere und bewundere. Deshalb war AJ der perfekte Mann, um uns auf dieser Reise zu begleiten.“

Wenn Mitglieder etablierter Bands eine neue Gruppe gründen, fällt die Musik oft in einen willkürlichen Raum zwischen den beiden Bands, aber Khôrada klingen weder wie Agalloch noch AJs Band Giant Squid. Tatsächlich stellt ihr Debütalbum „Salt“ eine umfassende Genremigration dar. Grollende Wellen des Untergangs drängen und ziehen und steigern sich zu wogenden Crescendos, die über AJs klagenden Gesang und herzzerreißenden Texte brechen. Man kann mit Sicherheit sagen, dass die dominanten Überbleibsel von Agalloch nicht in der Musik liegen, sondern im wilden, visionären Geist, der jeden der sieben Titel durchdringt. „Wir haben nicht getan, was die Leute von uns wollten. Wir haben The Mantle nicht noch einmal geschrieben. Wir haben Musik für uns selbst gemacht.“

Mit einem aufregenden neuen Ausblick und einem Debütalbum, das bei Fans und Kritikern großen Anklang findet, könnte man Khôrada verzeihen, wenn er spekuliert, was die Zukunft bringen könnte, aber die Jungs leben voll und ganz im Moment. „Ich könnte spekulieren“, sagt Jason, „aber das ist mir egal. An diesem Punkt bin ich froh, dass wir unser Debüt beendet haben, und das macht mir einfach Spaß.“ (JD)

„Ich habe schon in relativ jungen Jahren angefangen, Death Metal zu hören. „Ich war schon immer daran interessiert, wie breit gefächert das Genre sein kann“, beginnt Simon Duson, Sänger von Carnation (im Bild). „Death Metal kann schnell, langsam, melodisch, technisch, aggressiv sein … es gibt so viele Möglichkeiten. Wir versuchen auch, mit diesen verschiedenen Zutaten zu experimentieren und uns nicht in jedem Song an die gleiche Formel zu halten. Durch den Wechsel der Geschwindigkeit bleibt das Album interessant und abwechslungsreich.“

Diese Ehrfurcht vor dem Genre kommt in dem ausgedehnten Debütalbum der Belgier, Chapel Of Abhorrence, zum Ausdruck, einem berauschenden Drecksex, der sich deutlich kraftvoller anfühlt als ihre 2015er EP Cemetery Of The Insane.

„Da dies unser Debütalbum ist, hielten wir es für sehr wichtig, uns beim Schreiben und Aufnahmeprozess Zeit zu lassen und uns nicht mit unnötigen Fristen unter Druck zu setzen“, sagt Simon. „Der größte Unterschied zwischen der EP und dem Album ist der Zeitaufwand. Als wir an der EP arbeiteten, wollten wir so schnell wie möglich etwas veröffentlichen, um Carnation auf den Weg zu bringen. Für Chapel Of Abhorrence war es wichtiger, den perfekten Take zu finden, auch wenn die Aufnahme viel länger gedauert hat.“

Angesichts der großen Aufmerksamkeit, die die EP erhielt – die Band tourte mit Pestilence durch Japan und Brasilien – sind Carnation bereit, noch größere Höhen zu erreichen, sobald Chapel… in den Handel kommt, und Simon kann es kaum erwarten.

„Unsere Live-Shows sind zweifellos unser stärkstes Merkmal“, strahlt er. „Wir investieren viel Zeit und Ressourcen in unser Live-Setup, um es ständig zu ändern und zu verbessern. Nicht nur der Klang muss großartig sein, auch optisch muss er zur Musik passen. Als relativ kleine Band ist es schwierig, dies zu erreichen, aber es ist auch viel lohnender, wenn wir es schaffen. Die richtige Atmosphäre mit Lichtern und anderen visuellen Effekten zu schaffen, hebt die Musik einfach auf ein neues Level … Wir laden Sie ein, vorbeizukommen und es selbst zu erleben!“ (KW)

Während der Death Metal in immer disparatere Stränge zersplittert, macht Tomb Moulds berauschende Nutzung des dichten Old-School-Böens sie zu einem der glühendsten Puristen der Moderne. Und doch seien die Songs auf dem zweiten Album der Kanadier, Manor Of Infinite Forms, in erster Linie das Ergebnis von Instinkt, erklärt Gitarrist Derrick Vella.

„Für mich persönlich muss Death Metal einfallsreich sein und Spirit haben“, sagt Gitarrist Derrick Vella. „Ich bin nicht allzu wählerisch, wenn es um Sachen geht, die altmodisch oder schmutzig klingen, so sehr ich diese Dinge auch mag. Ich möchte einfach nur eine klare Vision, eine interessante Ästhetik und gute Riffs sehen. Ich versuche, nicht zu viel darüber nachzudenken, was ich schreibe … Ich lasse es einfach geschehen.“

Tomb Mould wurde 2015 von Derrick und dem Schlagzeuger/Sänger Max Klebanoff gegründet und begann als bewusster Versuch, die schroffe Brutalität des frühen finnischen Todes nachzuahmen, mit einer Beilage aus der USDM-Anbetung der Mitte der 90er Jahre als Zugabe. Trotz dieser offensichtlichen Einflüsse hat „Manor Of Infinite Forms“ jedoch eine herrlich eigenwillige Atmosphäre; die lyrischen Schwerpunkte der Band, ihr Talent für verzerrten Surrealismus und diese grotesken, aufgewühlten Riffs heben sie messbar von den finster dreinblickenden Horden ab.

„Oberflächlich gesehen geht es in dieser Aufzeichnung darum, einen Zugang zu einer alten unterirdischen Zivilisation zu finden, die im Inneren des Planeten lebt“, erklärt Derrick. „Aber die Themen hinter der Platte umfassen Verlust, Aufstieg, innere Zerrissenheit, Hypnose aus früheren Leben und Halluzinationen. Der Titel bezieht sich auf den eigenen Geist und darauf, wie er verändert oder manipuliert werden kann.“

Apropos Veränderung: Die ursprünglichen Ambitionen von Tomb Mould waren liebenswert bescheiden und zurückhaltend, aber die Band gewöhnt sich schnell an die Vorstellung, dass Death-Metal-Fans den echten, düsteren Deal erkennen können, wenn sie ihn hören. „Die ursprüngliche Idee bestand darin, ein paar Demotapes aufzunehmen, sie online zu verkaufen und sie dann einzupacken!“ Derrick bemerkt. „Aber jetzt werden wir mehr touren, eine weitere Platte aufnehmen und hoffentlich auch in Großbritannien, Europa und anderswo auftreten. Das hat die Erwartungen definitiv übertroffen!“ (DL)

„Wir spielten eine Zeit lang mit ‚Bad Kush‘, vor allem weil der Typ im Proberaum es uns gegenüber immer als ‚Bad Piss‘ zitierte. Aber wir wollten etwas Gesünderes, also haben wir einige längere Wörter hinzugefügt, um eindrucksvoller und maßvoller zu klingen.“

Das ist die trockene Erklärung von Schlagzeuger Mark Buckwell für diesen urkomisch bizarren Namen, der auf Python-artige Ebenen der Absurdität hinweist, die auf die rauhe Mischung aus gutem Stoner-Rawk und schlechtem Aggro-Sludge des Trios zurückzuführen sind. Diese auffällige Exzentrizität wird auch durch das Cover ihrer Debüt-LP (und den appetitlichen Titel Come & Chutney) bestätigt, auf dem die Bandkollegen in dicken Pullovern und Strumpfhosen vor der idyllischen Kulisse des Devil's Dyke in der Nähe von Brighton abgebildet sind.

„Wir wollten einen Ort aus der Kreidezeit, der einen guten Ort für Hunde mit Blick auf wunderschöne sanfte Hügel bietet“, erklärt Mark. „Während des Shootings war es verdammt kalt, aber für uns war es wichtig, das rohe Gefühl der Menschen einzufangen, die ihre Heimat in Strumpfhosen genießen, da hat das Wetter wirklich geholfen! Das versuchen wir mit unseren Musikstücken zu erreichen, deshalb gab es im Winter keinen besseren Ort als den Dyke.“

Offensichtlich hat die Band ein Gespür dafür, die Grenzen der Mode zu sprengen, was sich auch in ihrer mulmigen Kombination aus Batik und Corpsepaint zeigt. „Es schien eine gute Möglichkeit zu sein, Menschen zusammenzubringen, indem man ihnen zeigte, dass es in Ordnung ist, brennende Kirchen zu genießen, während man eine Hanfhose trägt“, erklärt Mark.

Chubby Thunderous Bad Kush Masters wurde gegründet, als Mark den Bassisten Will bei „einem kleinen Biker-Festival in einem Pub in Ware“ traf. Nachdem sie nach einem Gitarristen gesucht hatten, fanden sie Owen, den ehemaligen Frontmann der Südküsten-Sludge-Stoner Dopefight. „Als wir zusammenkamen, klang es angemessen rau, also sind wir dabei geblieben“, bestätigt Mark. „Wir alle mögen Musik und Kebabs, also denke ich, dass das passieren musste.“

Die Leidenschaft für Kebabs ist neben dem Hass auf Donald Trump ein entscheidendes verbindendes Thema. Irgendwie verschmolzen diese Triebe in ihrem lautstarken Protestsong Döner Trump. „Wir sind alle starke liberale sozialistische Atheisten und vertreten die Ansicht, dass die Menschen, um Viv [Savage, Spinal Tap] zu zitieren, jederzeit eine gute Zeit haben sollten. Leider ist die Vorstellung einiger Leute von einer guten Zeit für andere eine wirklich schlechte Zeit“, beschreibt Mark den halb ernsten Standpunkt der Band. „Wir mögen Kebabs und viele unserer Freunde mögen Kebabs auch, also versuchen wir, eine gute Zeit zusammen zu haben. Das steht in starkem Kontrast zu einigen der großen Persönlichkeiten der Welt, die, soweit ich gesehen habe, scheinbar nie Dönerwraps fressen, aber dafür sorgen, dass es für ganze Bevölkerungsschichten immer schlimmer wird. Jeder ist gleich, egal wie sehr er eine Fotze ist.“

Auf die Frage, was die lyrische Einstellung der Band angeht, antwortet Mark: „Alte keltische Dämonen, totalitäre Regierungen, Ungleichheit, schlechte Drogenerfahrungen und Döneressen mit Mitmenschen … Das fasst unsere Botschaft ziemlich gut zusammen.“ Was die Zukunft betrifft? „Wir hoffen, eine Dönerkette zu eröffnen und mit dem Erlös weiterhin dort zu essen, wo die Leute uns haben wollen. Es hat uns großen Spaß gemacht, Rusholme-Kebabs zu essen, eine Tour durch Afghanistan wäre also wirklich etwas Besonderes…“ (CC)

Es gehört zum Funeral-Doom-Territorium, aber falls Sie sich nicht sicher sind, welche Dynamik Sie von Amaroks Debütalbum erwarten können, sollte Sie die Tatsache, dass es nur vier Songs umfasst – der kürzeste mit relativ flotten 11 Minuten – im Stich lassen ohne Zweifel. „Wir haben uns nie vorgenommen, unsere Songs lang zu machen“, erklärt Co-Sänger und Bassist Brandon Squyres. „Wir bevorzugen einfach ein langsameres Tempo und es ist nicht ungewöhnlich, dass Riffs eine Minute lang sind. Die Art von Musik, die wir zum Schreiben ausgewählt haben, eignet sich für einen langsamen Aufbau und erfordert vom Hörer eine Investition. Wir sind uns völlig bewusst, dass dies nicht jedermanns Sache ist.“

Dennoch scherzt sein Sänger- und Gitarristenkollege Kenny Ruggles darüber, „eines Tages einen Song in weniger als sechs Minuten zu schaffen“. Er fährt fort: „Das wäre eine große Leistung für uns. Vor diesem Hintergrund haben wir einmal über „The World Has Turned And Left Me Here“ von Weezer berichtet. Es war eine Herausforderung, bei unserem eisigen Tempo unter 10 Minuten zu bleiben. [Weezer-Frontmann] Rivers Cuomo musste in Melasse getränkt sein, als wir mit unserer Version fertig waren!“

Die apokalyptische Fusion aus Sludge und Funeral Doom der US-Band entstand zunächst auf einer EP und drei Splits mit den Doomster-Kollegen Enth, Pyramido und Hell, bevor sie Devoured im Laufe einer intensiven Woche in Los Angeles mit Sanford Parker, der von beschrieben wird, auf Tonband aufnahm Kenny als „der Dungeon Master“.

„Es war eine Aufzeichnung von Schmerz, Leid und Elend“, sagt er, „aber Sanford brachte eine zusätzliche Einstellung mit sich. Verschlungen steht für Tod, aber auch Wiedergeburt. Als Band haben wir beim Schreiben dieser Songs viele persönliche Schwierigkeiten durchgemacht, aber man kann immer ein Licht in der Dunkelheit finden. Es geht um Wahrnehmung. Schließlich sind aus den kosmischen Unterwelten kathartische und therapeutische Hymnen zu hören.“

Für Nathan, ihren zweiten Gitarristen, ist die Musik wie Meditation. „Tatsächlich“, verrät er, „haben wir für das Intro des Titelsongs tibetische Klangschalen in der gleichen Tonart wie unsere sechssaitige Klangschale verwendet.“ Unsere Musik lädt den Hörer dazu ein, viel loszulassen. Und Headbangen!“ (OB)

„Ich wollte unbedingt eine Band gründen, die wie Black Sabbath klingt“, beginnt BlackLab-Gitarristin/Sängerin Yuko Morino, ein Gefühl, das zweifellos der Geburt vieler guter Bands vorausging. „Zuerst waren wir zu dritt und als der erste Schlagzeuger die Band verließ, lud ich Chia [Shiraishi], die mit mir in der [dreiköpfigen weiblichen Hardcore-Band] Depth spielte, ein, mitzumachen. Als der Bassist dann ging, beschloss ich, selbst Gitarre und Bass zu spielen, anstatt zu versuchen, jemand anderen für BlackLab zu gewinnen. Zufällig hatte ich ein Oktavpedal, was Glück hatte, also hat es am Ende geklappt.“

„Worked out“ ist angesichts des fesselnden Lärms, den das Duo erzeugt, etwas untertrieben: eine gewaltige Wand aus dröhnenden Doom-Riffs, durchdringendem Wah-Pedal-Missbrauch und stampfendem rhythmischem Angriff. Der zweiteilige Aufbau hat jedoch seine ganz eigenen Vor- und Nachteile.

„Der Vorteil besteht darin, dass wir beide den perfekten Sound haben und in dieser Hinsicht keine Kompromisse mit den anderen Bandmitgliedern eingehen müssen. Auch die Gebühren für das Probestudio sind günstiger“, sagt Yuko. „Ich denke, einer der Hauptnachteile besteht darin, dass die Basslinien nicht frei laufen können und der Klang beim Gitarrensolo etwas dünn werden kann, obwohl ich eine Methode entwickelt habe, damit das bei uns nicht passiert. Alle Titel auf [Debütalbum] Under The Strawberry Moon wurden von Chia und mir aufgenommen.“

Das Album wurde gerade vom außergewöhnlichen Produzenten Wayne Adams (Vodun, Casual Nun usw.) neu abgemischt, wobei der donnernde Fuzz des Duos auf lächerliche Weise hervorgehoben wurde. „Ich bin wirklich glücklich und natürlich sehr zufrieden mit dem Ergebnis des Albums“, strahlt Yuko. „Unsere Absicht mit der EP und der Trennung war es, den Schwerpunkt auf Lautstärke zu legen. Je lauter, desto besser! Beim Album war die Lautstärke natürlich immer noch sehr wichtig, aber wir haben auch mehr Fokus auf die Texturen gelegt, die auch den BlackLab-Sound ausmachen. Wir wollten dieser Platte eher ein traditionelles analoges Gefühl verleihen.“ (KW)

Aus dem geschwärzten Elementarschlamm erwachsen, aus dem alles Heavy entsteht, kehren die Australier Witchskull mit einem wilden zweiten Album zurück, das einen belebenden Schuss Adrenalin in die verdorrten Arterien des psychedelischen Metals gespritzt hat. Das 2014 gegründete Trio aus Canberra veröffentlichte 2016 ein aufschlussreiches, von Riffs geprägtes Debüt, das Ströme robusten 70er-Jahre-Proto-Metal durch ein durch und durch modernes Prisma lieferte. Im Nachfolger „Coven's Will“ entwickelt die Band ihren Sound zu einer scharfen, treibenden Kampagne von furchteinflößender Kraft.

„Wir wollten die gleiche einfache Direktheit beibehalten und alles auf eine sehr ursprüngliche und Groove-basierte Art und Weise spielen“, sagt Sänger und Gitarrist Marcus de Pasquale. „Wir mögen es, wenn die Dinge eine Mischung aus der Verdammnis von Sabbath und der Prahlerei von Motörhead sind. Unser Motto ist es, ursprüngliche, wilde Grooves mit viel Mischlingsanteil zu spielen.“ Auf die Frage, was man sonst noch an Einflüssen hören könnte, antwortet Marcus: „Krähenrufe, starker Regen, die Strömung, der Mond, Reflexionen, Instinkte und Träume.“

Es heißt, dass die psychedelischste Musik in Zeiten größter sozialer und politischer Unruhen, wie zum Beispiel Ende der 60er Jahre, am stärksten sei. Marcus stimmt zu und erklärt: „Kunst entspringt normalerweise dem instinktiven Bedürfnis, etwas Tiefes auszudrücken, und das bringt normalerweise einen inneren Kampf mit sich. Ich denke, wir versuchen, diese innere Angst und Aggression einzufangen und durch die Musik zu kanalisieren.“

Von Witchskulls Texten über ihr Albumcover bis hin zu ihrem Namen nehmen okkulte Bilder eine herausragende Rolle in ihrem kosmischen Manifest ein. Während sich einige Bands auf solche Tropen stützen, um ihr Image zu fördern, ist Marcus ein zutiefst spiritueller Sucher, der auf jahrelange okkulte Studien zurückgreift, um die Vision der Band zu prägen. „Das erste Buch über Okkultismus, das ich bekam, war ein Tarotbuch (The Book Of Thoth), als ich 12 war. Mit 13 kaufte ich die Bücher von [Anton] LaVey und etwa im Alter von 21 Jahren begann ich, Golden Dawn-Bücher und Thelema, Crowley zu kaufen Sachen. Mit 24

Ich ging nach Sydney, um in der OTO Oceania Lodge abzuhängen, wo ich mit Yoga begann. Ich interessierte mich stark für Hermetik, bis ich Anfang 30 begann, mich mehr der Musik zu widmen. Musik ist eine hohe Kunstform mit einem starken spirituellen Bewusstsein für Klang. Ich liebe Verzerrungen und Rückkopplungen und betrachte sie als starke Kräfte der Natur.“

Bei Covens „Will“ flog die Band um die halbe Welt nach New York, um genau die Klangvielfalt einzufangen, die die Musik erforderte. „Wir gingen in ein fantastisches Studio in Brooklyn namens Studio G, das jede Menge tolle analoge Ausrüstung hatte, darunter ein altes Neve-Pult der BBC in England. Dadurch konnten wir dem Klang die Wärme und Tiefe verleihen, die wir uns erhofft hatten.“

Wir fragen, wo Marcus die Band in zehn Jahren sieht, und seine Antwort zeugt von seinem unerschütterlichen Engagement nicht nur für seine Kunst, sondern auch für seine Bandkollegen. „Ich glaube, es ist unsere Bestimmung, zusammen zu bleiben, bis wir sterben. Ich liebe sowohl die Jungs von Witchskull als auch meine Brüder und bin zufrieden, wie die Dinge laufen. Wir können es kaum erwarten, nach Europa zu kommen, um ein paar Shows zu spielen.“ (JD)

Lust auf einen Ausflug? Ancient Lights tun das auf jeden Fall. Diese Zusammenarbeit zwischen Adam Richardson (11Paranoias/ex-Ramesses) und 5ive-Gitarrenguru Ben Carr ist ein außergewöhnliches Treffen mantragetriebener Köpfe und entstand als Idee, als ihre alten Bands 2004 auf Tournee gingen und zusammen jammen. Mehr als ein Jahrzehnt später und Mit Schlagzeuger Tim Bertilsson als letztem Teil des Klangpuzzles ist diese Idee auf dem gleichnamigen Debüt von Ancient Lights zu einer atemberaubenden Realität geworden.

„Der immense gemeinsame Sound beider Bands hat die Flamme angefacht“, erinnert sich Adam. „Es hat nur 13 Jahre gedauert, bis es in Flammen stand. Die entscheidende Aufnahme von Tim in unsere Phantombande katalysierte den Traum auf eine Ebene der Beinahe-Existenz. Das ist ein Gefühl, das meiner Meinung nach auf unserer LP hörbar ist. Es ist ein Geräusch, das gleichzeitig aus dem Nichts und von überall kam.“

Die Musik von „Ancient Lights“ ist ein freizügiger, von Drohnen gesteuerter Streifzug durch dichte, halluzinatorische Wälder und sonnenverwöhnte, höhlenartige mentale Ebenen und entstand aus dem trippigen Doom-Äquivalent des sogenannten „automatischen“ Schreibens.

„Selbst wir sind uns nicht sicher, wie die meisten dieser Erkundungen zustande kamen“, gesteht er. „Wir haben sechs Stunden Musik aufgenommen und uns eine kleine Menge der reifen Früchte geschnappt. Diese Eröffnungslieder sind unterbewusste Schöpfungen und überraschen oft sowohl im Ergebnis als auch in ihrer Wirkung auf den Zuhörer und uns selbst.“

Was Ancient Lights verkaufen, ist nichts für Menschen, die unbedingt erdverbunden sind, aber für diejenigen, die sich gerne auf ihre verwirrenden Frequenzen einstimmen, vermutlich während sie bis zur Unkenntlichkeit ausgebrannt sind, ist das psychedelische Potenzial unbestreitbar. Für Adam beschwören die Lieder „ein erfundenes Universum herauf, das sich durch Massenerfahrung und vernetztes Bewusstsein ewig weiterentwickelt – eine endlos blühende und doch überfüllte Galaxie aus schwarzen Sternen, die nicht auf dich scheinen und vor deinem Blick verborgen bleiben, obwohl du spürst, wie sie auf dich drücken.“ immer bei dir.

„Aber ich möchte nicht beeinflussen, was die Leute in ihrem Kopf sehen“, schließt er. „Mir wäre es lieber, wenn jeder seine eigene Reise macht und nach Ende seiner Reise seine Erfahrungen mit anderen austauscht.“ (DL)

Nachdem das Trio Secret Cutter aus Bethlehem, Pennsylvania, 2014 ein selbstbetiteltes Debütalbum auf den Markt gebracht hat, verfeinert es seine Mischlingsmischung aus kränklichem, sirupdickem Schlamm und weißglühendem Grind zu etwas, das den Geräuschen in ihrem Kopf nahe kommt.

„Auf unserer ersten 7-Zoll-Platte haben wir eine Art Grind-Blastbeat eingebaut, und ich hatte das Gefühl, dass das ein guter Indikator dafür war, wohin unser Stil gehen sollte“, sagt Evan Morey, dessen konkreter, schwerer Gitarrenton einen Großteil des zweiten Albums seiner Band, Quantum Eraser, prägt . „Die Absicht war zunächst, eine langsamere Band zu sein; Unser Schlagzeuger steht wirklich auf grimmigere Sachen und Ekim ist mit Earache-Bands der frühen 90er aufgewachsen, aber wir streben keinen Sound an, wir wollen einfach nur das machen, was für uns wirkungsvoll und kraftvoll ist.“

Das Ergebnis ist ein Album, auf dem Absicht und Instinkt zu einer berauschenden Wirkung zusammenprallen. „Quantum Eraser“ ist eine schlüpfrige Platte zum Greifen, ein übles Biest zum Zähmen, das einem mit voller Wucht in die Eingeweide schlägt, bevor es einem zwischen die Augen schießt. Seine Produktion, mit freundlicher Genehmigung des Integrity- und Obituary-Produzenten Brad Boatright, erinnert an den rasselnden, ungezähmten Klang von Lärm Rock-Stars wie Unsane oder The Jesus Lizard. Es ist auf die aufregendste Art und Weise verwirrend. Evan vermutet, dass der Aufbau von Secret Cutter und ihr fehlender Bass der Schlüssel zum Verständnis ihrer Identität sein könnten.

„Unser Trio ist etwas anders. Wir haben keinen Bassisten, wir können rausgehen und ein bisschen mehr experimentieren“, sagt er. „Das Trio-Modell für uns bestand eigentlich aus Bands, die nur Gitarre, Schlagzeug und Gesang spielten. Da fallen mir Floor ein, der Mid-Ära-Sachen ohne Bass und Pig Destroyer. Diese Bands hatten großen Einfluss auf uns.“

Das Album wird in den USA von Deathwish Inc. (und von Holy Roar hier im Vereinigten Königreich) vertrieben, und Evan zollt den Werten seines Gründers schnell Respekt: ​​„Wir sind nicht bei Deathwish unter Vertrag“, erklärt er, „aber wir sind ein Heimwerker.“ Wir sind eine Band mit einer Do-it-yourself-Ethik und versuchen zu schreiben und aufzunehmen, wie es Kurt Ballou tun würde. Sie sind eine Inspiration für uns und unsere Szene.“ (SCH)

Anfang des Jahres stellte der italienische Zirkel Messa sein neues Album „Feast For Water“ vor. Es ist ein Werk wunderschön eindringlicher und raffinierter, vom Jazz durchdrungener Doom-Dekadenz, voller eleganter, hypnotisierender Gesangsbeschwörungen, zarter Rhodes-Piano-Schnörkel und stimmungsvoller Fuzz-Klagelieder der 70er Jahre – ein Stil, den die Band liebevoll „Scarlet Doom“ nennt.

Feast For Water ist ein Konzeptalbum, das schwere esoterische Themen behandelt und sich mit okkulten Themen beschäftigt, insbesondere mit den symbolischen und rituellen Merkmalen des flüssigen Elements. „Als wir mit der Komposition dieses Albums begannen“, erklärt Sängerin Sara, „stellten wir es uns als den nächsten Teil unserer ersten Platte, Belfry, vor.“ Das Konzept dieses Albums ist der Glockenturm und wie er Menschen alle zusammenbringt. Auf der Decke des Belfrieds ist ein halb versunkener Turm zu sehen. Der zweite Teil beginnt mit einem Tauchgang im See. Es ist eine Reise, die den Menschen in die Dunkelheit tiefer Gewässer entführt. Wasser ist ein symbolisches Element der Reinheit und Einfachheit. Und es ist bei Ritualen jeglicher Art sehr wichtig, insbesondere bei Einweihungen. Wasser kann Leben bringen und es stehlen.“

Feast… zeigt den Fortschritt der Band vom Heavy-Metal-Klagelied hin zu komplexeren und ausgereifteren Kompositionen. Der Auslöser für diesen Wandel, erklärt Sara, war das Rhodes-Klavier, das der Gitarrist Alberto gekauft hatte. „Wir haben uns entschieden, dieses Instrument in die Kompositionen zu integrieren, weil es uns gefiel. Es ermöglichte uns, mit unserer Musik zu experimentieren und kreativer zu sein. Die Wahl des Rhodes-Klaviers ließ zusammen mit den Akkordstimmen alles „jazziger“ klingen. „Feast For Water“ ist ein komplexeres Album und wir haben viel Zeit im Proberaum verbracht, um es genau so klingen zu lassen, wie wir es wollten. Dennoch war es etwas Spontanes und Natürliches. Wir sind gerade in ein anderes Gebiet gezogen, haben es aber geschafft, unsere „schwereren“ Wurzeln zu bewahren. Wenn wir den Drang verspüren, beginnen wir mit der Entwicklung des dritten Teils dieses Weges! Wir möchten nicht, dass unsere Platten alle gleich klingen. Wir lieben die prismatische Natur der Musik.“

Messas skurriler „Scarlet Doom“-Spitzname und Songtitel deuten auf das kryptische Thema der Band und den Einfluss der Werke des berüchtigten englischen Okkultisten Aleister Crowley hin. „Ich war letztes Jahr zweimal zur Abtei von Thelema [dem Standort von Crowleys Tempel auf Sizilien]“, sagt Sara. „Tatsächlich entstand der Text zu unserem Lied „Leah“, nachdem wir einige Stunden an diesem Ort verbracht hatten. Während der Entstehung des Albums habe ich Stücke wie „The Book Of Lies“ von Aleister Crowley, Gedichte von Yeats und „Songs For The Witch Woman“ von Jack Parsons und Marjorie Cameron gelesen. Dies sind nur einige Beispiele. Diese Platte ist einfach das Ergebnis der Vermischung all unserer Persönlichkeiten, all unserer Interessen, unseres Geistes und unserer Visionen, die in dieser Art von Arbeit zum Ausdruck kommen. Ich denke, Musik zu machen ist irgendwie magisch, aber wir haben sozusagen kein „Manifest“. Messas Texte sind sehr persönlich und spiegeln einfach die Art und Weise wider, wie ich die Dinge um mich herum fühle und sehe. Es ist nur meine eigene Perspektive.“

Vielleicht aufgrund des vorherrschenden katholischen Regimes im Land scheint Italiens Heavy-Metal-Szene trotzig mit dem Okkultismus verbunden zu sein. Bands wie Death SS, Jacula und Mortuary Drape scheinen es alle sehr ernst zu nehmen, wenn es darum geht, ihre religiösen Überzeugungen mit Musik zu verbinden und so eine Kultur zu schaffen, von der Messa eindeutig inspiriert ist. „In einem streng katholischen Umfeld geboren und aufgewachsen zu sein, ist der perfekte Funke, um es zu zerstören“, schließt Sara. „Früher war es üblicher, gezwungen zu werden, etwas zu befolgen, an das man nicht glaubt. Ich denke, diese Bands waren von grundlegender Bedeutung für den italienischen Untergrund, weil sie die Türen für alles öffneten, was als nächstes kam.“

Texte von: Joe Daly, Kez Whelan, Dom Lawson, Chris Chantler, Oliver Badin, Stephen Hill, Liam Yates

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