Aus dem Archiv von Clive Bell

Jul 17, 2023

Im Uhrzeigersinn von oben links: Seiten 50-51 von The Wire 318 mit Chris Watson; Seiten 35-36 von The Wire mit Hariprasad Chaurasia; Seiten 26-17 von The Wire 214 mit Cornelius Cardew; Seiten 20-21 von The Wire 458 mit More Eaze (links) und Claire Rousay; Stereolab auf dem Cover von The Wire 149; Seiten 28-29 von The Wire 149 mit Stereolab; Chris Watson auf dem Cover von The Wire 318.

Der Mitwirkende Clive Bell wählt aus den Rückseiten von The Wire zehn Texte aus, darunter Michael Nyman, Chris Watson, Hariprasad Chaurasia, Stereolab und mehr. Alle ausgewählten Artikel können in der digitalen Bibliothek von The Wire mit einem gedruckten oder digitalen Abonnement von Wire gelesen werden

Der Mann, der seinen Minimalismus mit einem nassen Nachmittag verwechselte: Jonathan Coe interviewt Michael Nyman, The Wire 70/71 (Doppelausgabe), Neujahr 1990

Jonathan Coe, einer der besten Romanautoren Großbritanniens (The Rotters' Club, Bournville), gibt ein lebhaftes und prägnantes Interview mit Michael Nyman, der damals 46 Jahre alt war und damit beschäftigt war, Soundtracks für Peter Greenaway-Filme zu komponieren. Nyman erinnert sich gerne an seine Zeit als Autor von Musikkritiken für das Magazin „The Spectator“, dessen durch und durch laissez-faire Redakteur der künftige britische Kanzler Nigel Lawson war. Nyman hatte freie Hand und schrieb über Stockhausen und die Fugs. Dann (1968) hörte er Cornelius Cardews „The Great Learning“ in der Wigmore Hall in London, was er erfrischend und „minimalistisch“ fand. Und so entstand der Begriff Minimal Music. Peter Maxwell Davies, der unter Nymans Vergleich mit Cardew litt, drohte dann, Nyman zu verprügeln – „ich meine es ernst.“ Wir hören auch, wie Nyman begann, für „die lauteste Akustikband, die ich mir vorstellen kann“ zu komponieren.

Revolutionen von Grund auf: Julian Cowley über Cornelius Cardew, The Wire 214, Dezember 2001

1974 hörte ich Cornelius Cardew im York Arts Centre singen und Klavier spielen. Vor einem amüsierten Publikum aus Fans neuer Musik spielte er kraftvolle, evangelische politische Lieder in einem Stil aus einem Jahrhundert zuvor. Seine mündliche Einleitung lautete wie folgt: „Ich bin gerade aus Ost-Berlin zurückgekehrt, wo ich die Ehre hatte, das folgende Lied für die Bergarbeitergewerkschaft zu komponieren.“ Zu diesem Zeitpunkt verschwand Cardew in einer maoistischen Welt immer kleinerer Splittergruppen. Und doch war er vielleicht der visionärste Komponist Großbritanniens. Morton Feldman: „Jede Richtung, die die moderne Musik in England einschlagen wird, wird nur durch Cardew entstehen, durch ihn, durch ihn.“ Wenn die neuen Ideen in der Musik heute in England als Bewegung wahrgenommen werden, dann deshalb, weil er als moralische Kraft, als moralisches Zentrum fungiert.“

Wenn Cardew 1981 nicht bei einem Unfall mit Fahrerflucht ums Leben gekommen wäre, wäre er dann aus seinen maoistischen Labyrinthen zurückgekehrt, um die zeitgenössische britische Musik zu dominieren? Im Jahr 2001, anlässlich seines 20. Todestages, verfasste Julian Cowley eine bewegende Würdigung und Zusammenfassung von Cardews außergewöhnlichem Leben. Ein tolles Foto von Werner Bethsold zeigt Cardew im Alter von 39 Jahren am Klavier, die Hundespitze an der Lippe klebt, dunkle Ringe um die Augen – James Dean für neue Musik.

Laborgeheimnisse: Peter Shapiro interviewt Stereolab, The Wire 149, Juli 1996

Kurz nach der Veröffentlichung von Emperor Tomato Ketchup verfasste Peter Shapiro dieses pulsierende Porträt der „perfekten Popgruppe“ Stereolab. Shapiro ist eindeutig ein Fan, und auch wenn er ein paar unnötige Bemerkungen darüber macht, ob die „Labs“ zu hipster sind, als ihnen gut tut, ist dies ein wertvolles Gespräch mit Tim Gane und Laetitia Sadier darüber, wie sie das tun, was sie tun. Plus die anerkannte Unmöglichkeit, es jemals vollständig zu erklären (sonst wären wir vielleicht keine Fans mehr). Gane spricht über seinen Prozess als eine im Wesentlichen musikalische Collage und betont, wie sehr er Konflikte zwischen Klängen liebt. Er ist offen genug, um zuzugeben: „Manchmal habe ich das Gefühl, dass es vielleicht zu viele Bezugspunkte gibt, in gewisser Weise zu viele Scherze.“ Aber Sadier hat gesehen, wie ihr Publikum freudig mitmachte: „Ich denke, wir haben eine Musik geschaffen, die für viele Leute Sinn macht, ob sie nun Steve Reich kennen oder nicht.“ Gute Leute, gute Texte und gute Fotos von Tim Kent.

Die T-Bone-Einsätze: Mike Barnes interviewt Alan Tomlinson, The Wire 413, Juli 2018

Meine liebsten kostenlosen Improvisationsgruppen? AMM und Alan Tomlinsons Trio mit Dave Tucker und Schlagzeuger Phil Marks. Tomlinson, ein selbsternannter „alter Trainspotter“, fährt lieber mit dem Zug zu Mike Barnes‘ Haus in Hampshire, als dass Barnes zu ihm kommt, um die Möglichkeit zu haben, die Gleise rauf und runter zu schauen: „Ich bin ziemlich glücklich, gesessen zu haben auf einem Bahnsteig, um zu sehen, was passiert – beobachten Sie, wie ein technischer Zug vorbeifährt.“ In Manchester spielte der junge Tomlinson Pantomime für den Komiker Charlie Drake und lernte Berios beeindruckende Sequenza V für Soloposaune. „Ich war von Jazzern umgeben und war der einzige, der keinen Jazz spielen konnte, und [zu diesem Zeitpunkt] interessierte ich mich sowieso nicht mehr so ​​sehr dafür, also fand ich etwas, das ich tun konnte. Ich habe gelernt, diese Techniken zu spielen: das Instrument heruntersingen, Noten lutschen, Noten teilen. Sie wurden nicht von Free-Jazzern entwickelt, sondern von zeitgenössischen Musikern wie Vinko Globokar in Deutschland und Stuart Dempster an der Westküste Amerikas.“ Tomlinson hat in einem Container gespielt, in den Warteschlangen für Fish & Chips-Lieferwagen in Yorkshire und bis zu seiner Hüfte in einem Fluss. Wie gewollt ist die Komödie? „Ich nehme das Posaunespielen sehr ernst. Ich kümmere mich nicht darum – nun ja, ich kümmere mich darum, aber ich nehme es ernst.“

Ragas gegen die Maschine: Clive Bell interviewt Hariprasad Chaurasia, The Wire 166, Dezember 1997

Ich habe das selbst geschrieben – also verklagen Sie mich. Ein paar Tage mit dem indischen Flötenmeister Hariprasad Chaurasia zu verbringen, war ein Höhepunkt meiner Karriere als Schriftsteller. Chaurasia war „ein fitter, wettergegerbter 59-Jähriger“, als ich ihn traf, den Mann, der die engstirnige Welt der indischen Klassik dazu zwang zu akzeptieren, dass die bescheidene Flöte neben der Sitar und anderen akzeptableren Instrumenten stundenlange Ragas spielen konnte. Gleichzeitig dominierte er indische Pop- und Bollywood-Soundtracks. Das ist Chaurasia, die auf „The Inner Light“ spielt, George Harrisons B-Seite von 1968 zu „Lady Madonna“ der Beatles. Bevor Chaurasia die Vorurteile des klassischen Musik-Establishments bekämpfte, lieferte er sich mit seinem Vater einen buchstäblichen Kampf um dessen Liebe zur Musik. Chaurasia wuchs in der Wrestling-begeisterten Provinz Uttar Pradesh auf und hatte ab seinem 11. Lebensjahr eine vielversprechende Karriere als Profi-Wrestler. Sein Vater schlug seinen jugendlichen Sohn, weil er Musikern zuhörte, sogar weil er Melodien pfiff: „Und er war ein Wrestler, damit er es richtig machen konnte.“ Reine Entschlossenheit trug ihn durch, einschließlich eines schmerzhaften und kaum zu glaubenden Wechsels zum Linkshänderspiel: „Und das bringt so viel Kraft mit sich!“ Wie ein Mörder – er ist ein Mensch wie ich, aber er hat eine besondere Macht.“

Unsichtbare Jukebox: Claire Rousay x More Eaze, The Wire 458, April 2022

Aufgrund der Pandemie konnten Autoren die Interviewpartner nicht treffen und ihnen Invisible Jukebox-Songs vorspielen, und so interviewten sich plötzlich Musiker gegenseitig. Das vielleicht faszinierendste Ergebnis war dieser ungefilterte, halb hysterische Austausch zwischen zwei texanischen Musikern, die offensichtlich viel zu viel Spaß bei der Aufnahme ihres Avant-Pop-Albums Never Stop Texting Me hatten. Der schnelle Backchat und die überschäumende Begeisterung für fast alles waren ansteckend und lösten in mir zwei Dinge aus: 1. Ich habe aufgeregte Klugscheißer belauscht (immer ein Vergnügen); und 2: Ich weiß so gut wie nichts über Musik. Typischer Austausch: „CR: Das ist meine Scheiße. Wie aktuell ist das? [Unerwarteter Glitch-Effekt erscheint in der Musik] Was zum Teufel? ME: Das haben wir beide bei unseren Songs getan.“ Ein Eberhard Weber-Titel von ECM Records löst die Reaktion aus: „Ehrlich gesagt, es weckt in mir einfach den Wunsch, „Der Herr der Ringe“ zu sehen.“ Darüber hinaus scheint jede Platte, die sie hören, Pläne für ein zukünftiges Projekt auszulösen. Brillant.

Der Wildnis trotzen: Ken Hollings interviewt Chris Watson, The Wire 318, August 2010

In Ken Hollings' großartigem Interview mit dem Tonmeister Chris Watson wird noch mehr belauscht. Als Teenager beobachtete Watson in Sheffield, wie Vögel im Garten seiner Eltern fraßen. Er konnte sie nicht hören, ohne näher zu kommen, was die Vögel verscheuchen würde: „Seine Lösung für das Problem bestand darin, ein kleines tragbares Tonbandgerät in der Nähe des Vogelhäuschens aufzuhängen und es laufen zu lassen. Die Ergebnisse waren erstaunlich. „Plötzlich war ich in einer Welt, die normalerweise keiner von uns hören darf.“ Ich rede immer noch davon, das Mikrofon dort zu platzieren, wo man seine Ohren nicht hinbringen kann. Ich liebe dieses Gefühl des Zuhörens, das Herauslocken von etwas, das ich normalerweise nicht hören würde.‘“ Dies ist ein nachdenkliches Stück mit einem Epigraph des Kunstkritikers John Ruskin aus dem 19. Jahrhundert, aber Watsons warme Yorkshire-Stimme zieht sich durch das Stück , vom Kuratieren von Sounds für David Attenboroughs TV-Serie „Frozen Planet“ bis hin zu Watsons eigener Albumreihe auf dem Touch-Label.

Cathal Coughlans Epiphany, The Wire 330, August 2011 In der Epiphanies-Kolumne am Ende des Magazins wird oft eine sehr persönliche Geschichte erzählt, in der ein Musiker von einem Geräusch heimgesucht wird, das ihn oder sie nicht loslässt. Cathal Coughlan (Microdisney, Fatima Mansions) starb im Mai 2022 nach langer Krankheit. In dieser Kolumne aus dem Jahr 2011 erzählt er, wie er vier Jahrzehnte lang von Dagmar Krause und ihren Kollegen verfolgt wurde, während er von einem Teenagerurlaub in West Cork über einen schlimmen LSD-Trip in Camden Town, London, zu einem Job im Musiktheater in der Bretagne gelangte. Alles beginnt damit, dass Dagmar in ihrer besten giftigen Zwergenstimme „War“ von Henry Cow und Slapp Happys „In Praise Of Learning“ singt. Über andere Krause-Lieder geht Coughlan weiter zu Peter Blegvads The Naked Shakespeare und schließlich zum Solowerk des Henry Cow-Bassisten John Greaves: Songs (1995) und Verlaine (2008). Berührenderweise bewertet Coughlan auch seine eigene Arbeit im Kontext dieser Songs, die er nicht loswerden kann.

Daniel Spicer rezensiert Hawkwind: Days Of The Underground, The Wire 439, September 2020

Nachdem ich nervös die Seite mit den Briefen durchgesehen habe, schaue ich mir oft zuerst die Buchrezensionen des Magazins an, auch bekannt als „Print Run“. Es gibt immer etwas, woran man sich festhalten kann. Ein gutes Beispiel ist Daniel Spicers Rezension von Joe Banks‘ mehrfach untertiteltem Buch „Hawkwind: Days Of The Underground: Radical Escapism In The Age Of Paranoia“. Hawkwind spielte endlos auf kostenlosen Festivals und verteilte kostenloses Acid an das Publikum. Hawkwind waren die Favoriten von The Damned, The Clash und The Stranglers. John Lydon nannte Frontmann Robert Calvert als einen großen Einfluss. Der Hawkwind-Saxophonist Nik Turner starb im Herbst 2022 – als ich 2016 mit ihm spielte (neben Youth und Jah Wobble), war seine Fähigkeit, kohärent zu spielen, schon lange verschwunden. Oder vielleicht war es jemals so. Bassist Lemmy beschrieb ihren Sound als „einen schwarzen, verdammten Albtraum“. Ein postapokalyptischer Horror-Soundtrack.“

Den Rhythmus zurücksetzen von Joshua Minsoo Kim, The Wire 433, März 2020

Gelegentlich (nicht von mir) wird gesagt, dass es The Wire an „Konzeptstücken“ mangelt, bei denen der Autor nicht nur einen Musiker interviewt, sondern tiefer in ein Thema eintaucht. In diesem faszinierenden Artikel spricht Joshua Minsoo Kim mit vier jungen Schlagzeugern über die Arbeit in einem zeitgenössischen Umfeld. Eli Keszlers Denken wird durch die Zusammenarbeit mit den minimalistischen Komponisten Phill Niblock und Tony Conrad beeinflusst. Tim Barnes beschäftigt sich mit „gedämpften Gesten“ und macht Alben, die mit Feldaufnahmen der natürlichen Welt in Dialog treten. Will Guthrie mag es, die Dinge „zu seltsam“ zu halten, komponiert aber auch für Gamelan, während Claire Rousay sich vom Kit entfernt und hin zu gefundenem Klang und Elektroakustik tendiert. Rousay ist diejenige, die es satt hat, schwere Ausrüstung mit sich herumzuschleppen: „Einfach gesagt, das Schlagzeug bot nicht den richtigen Rahmen für die Ideen, die sie jetzt beschäftigen. „Anstatt einen Workaround zu finden, dachte ich, dass es einfacher sein könnte, zu anderen Wegen zu wechseln, um meine Ideen zu kommunizieren.“ Im Grunde genommen bin ich faul“, lacht sie.

Und sobald Sie das gelesen haben, gibt es in derselben Ausgabe eine Rezension von Schlagzeuger Greg Fox zu einem von mehreren Autoren verfassten Buch über den mächtigen Jaki Liebezeit, Schlagzeuger von Can.

Und dann hatte Greg Fox selbst einen Track auf „Below The Radar Vol 19“ von The Wire – das kann man auch hören. Lesen Sie alle diese Interviews und Rezensionen vollständig, indem Sie ein gedrucktes oder digitales Abonnement abschließen und Zugriff auf die vollständige digitale Bibliothek früherer Ausgaben von The Wire erhalten.

Von Clive Bell

Ihr Kommentar – alle Kommentare werden moderiert.

Ihr Name [optional] Pseudonyme willkommen.

Ihre E-Mail-Adresse [optional] Wird nie gespammt oder angezeigt.

Ihre Website [optional] Wird zur Verlinkung auf Sie verwendet.

Um Spam zu verhindern